Эпоха Возрождения: Проторенессанс, раннее, высокое и позднее Возрождение. Титаны Высокого Возрождения

Искусство Проторенессанса.

Возрождение (Ренессанс, от франц.) – это период развития европейских стран в идейном и культурном плане.
Термин появился в 16 в. в Италии и применялся сначала только к искусству. Это Вазари – итальянский художник, первый историограф итальянского Возрождения («Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих») – писал о «возрождении искусства в Италии».
В то время эпоха средневековья рассматривалась как период беспросветного варварства и невежества, которая последовала за гибелью блестящей античной цивилизации. Поэтому историки того времени считали, что искусство возродилось после средневекового перерыва в развитии искусства.
Общая периодизация:
Италия. 13 – 16 вв.
Другие страны Европы. Кон. 15 – нач. 17 вв.

Исторические условия возникновения культуры Возрождения в Италии:
Слабость феодальной системы в стране и выгодное географическое положение привели к тому, что Италия стала первой капиталистической страной в Европе.
Развитие торговли сопровождалось подъемом ремесел, появлению объединений ремесленников, купеческих гильдий. Появился новый социальный класс в обществе – буржуазия.
Уже в 11 – 13 вв. в ряде итальянских городов прошли революции, они приобрели самостоятельность и установили республиканскую форму правления.
В области средней Италии, Тоскане выросли крупные города: Флоренция, Пиза, Сиена.
Флоренция стала главным очагом Возрождения (Данте, Петрарка, Бокаччо). Новая художественная школа началась здесь с Джотто, а потом были Мазаччо, Донателло, Леонардо да Винчи, Микеланджело.
Сиена играла важную роль в искусстве 14 века.
На севере Италии выделились Венеция, Генуя, Милан.
В 16 в. ведущие художественные силы концентрируются в Риме.

Новые воззрения в обществе:
Развитие науки приводит к тому, что непререкаемое в Средние века первенство богословия над наукой сменяется верой в неограниченные возможности человеческого разума, который становится высшим мерилом истины.
Отсюда распространенный идеал художника Возрождения – художника-универсала, ученого (Леонардо да Винчи).
– На смену схоластике, философии служащей религии, приходит гуманизм.
Гуманизм (от лат. человеческий, человечный) – светское философское воззрение эпохи Возрождения. Гуманизм признал ценности человеческой личности, его права на свободное развитие и проявление своих способностей. «Все во имя человека, для блага человека».
Гуманисты того времени подчеркивают интерес к человеческому в противовес божественному.
Средневековый аскетизм и презрение ко всему земному сменяются теперь жадным интересом к реальному миру, человеку, чувством красоты и величия природы.
Культуре и искусству Возрождения присущ оптимизм, связанный с верой в безграничность человеческих возможностей.
Ведущую роль в культуре Возрождения играло изобразительное искусство. Это связано со стремлением к прекрасному и живой интерес к реальности.

Периодизация искусства Возрождения в Италии
1. Проторенессанс (Треченто). 2 пол. 13 – 14 в.
2. Раннее Возрождение (Кватроченто). 15 век.
3. Высокое Возрождение. Кон. 15 – 1 треть 16 вв.
3. Позднее Возрождение. С 30 – 40-х гг. и весь 16 в.
Позднее Возрождение существовало параллельно с искусством маньеризма. «Маньеризм» – художественное направление, связанное с кризисом и разложением итальянского Возрождения, и сформировавшееся в условиях глубокого экономического кризиса в Италии и феодально-католической реакции.
Весь 16 век еще называют «Чинквеченто».

Основные черты искусства Возрождения
Отличие от античности:
В классической древности человек подвластен воле богов, его личные качества не могли изменить судьбу. В эпоху Возрождения человек – хозяин своей судьбы.
Идеалы гуманизма отразились в искусстве эпохи Возрождения, в создании образа прекрасного, гармонически развитого человека, героя с титаническим характером и страстями, который творит свою жизнь.

Обращение к реальности сказалось на:
Распространении новых сюжетов.
Развитии портрета, пейзажа.
Новая, иногда почти жанровая интерпретация религиозных сюжетов.
Радикальное обновление художественных средств:
Отказ от деформации и дематериализации фигур.
Отказ от условности жестов и мимики.
Интерес к передаче места действия.
Создание иллюзии трехмерного пространства.
Правильное строение и постановка фигуры.

Общая характеристика культуры возрождения
Зародилась в Италии в середине XIV в.
Обращение к античности.
Гуманизм: в центре внимания знания о человеке и обществе.
Отказ от аскетизма, прославление земной жизни.
Аскетизм – ограничение или подавление естественных желаний, отказ от роскоши, от радостей жизни.

Скульптура Проторенессанса

У истоков итальянского Проторенессанса стоит работавший во второй половине 13 века в Пизе мастер Николо Пизано.
Никколо Пизано. Ок. 1220 – 1278/84.
Основал школу скульптуры, просуществовавшую до сер. 14 в. и распространившую свое влияние по всей Италии.

Кафедра баптистерия в Пизе. Мрамор. Ок. 1260 г. Предназначалась для выступления священнослужителей.

В рельефах на традиционные сюжеты, например «Рождество», широко использованы мотивы скульптуры позднеримских саркофагов и ваз.
Здесь же – сюжет «Благовещение».
– Светский характер сюжетов.
– Высокий рельеф помог подчеркнуть объемность фигур.

В сюжете «Принесение во Храм» Никколо Пизано воспроизвел в виде старца Симеона фигуру Диониса с античной мраморной вазы.

Аллегория «Силы» имеет своим прообразом древние изображения нагого Геракла.

С невиданной до того экспрессией передан драматизм сюжета «Избиение младенцев».
Как и у Никколо, в произведениях Джованни можно найти мотивы, заимствованные из античной скульптуры. Например, позднеримские рельефы.

Арнольфо ди Камбио. Ок. 1240 – 1302.
От учителя Никколо Пизано унаследовал пристрастие к классике.

Его образы монументальны, величественны. Перуджа. Фонтан. 1281.

Живопись Проторенессанса

Кроме Тосканы (города Флоренция, Пиза, Сиена), расположенной к северу от Рима, на рубеже 13 – 14 вв. новые веяния проникли и в художественные круги Рима.
В течение некоторого времени значительная роль в живописи Проторенессанса принадлежала римским художникам. Хотя подъем римской школы был недолговременным из-за отлива художественных сил из папской столицы в период так называемого авиньонского пленения пап (в 1309 – 1377 гг. папский престол был перенесен в Южную Францию).

Пьетро Каваллини. Ок. 1250 – ок. 1330.
Подобно тому, как Николо Пизано реформировал итальянскую скульптуру, Каваллини заложил основы нового направления в живописи.
В творчестве опирался на позднеантичные и раннехристианские памятники живописи.
Стремился преодолеть плоскостность форм и композиционного построения.
Сохраняя «византийскую манеру» вводит светотеневую моделировку формы.
Фрески в церкви Санта Чечилиа ин Трастевере. 1293.

Фигуры апостолов из «Страшного суда».
Бесплотность фигур сменяется здесь монументальностью.

Мозаика церкви Санта Мария ин Трастевере. 1291.
Рождение Марии.
Использует систему античной перспективы интерьера – две ниши с сокращающимся в перспективе кассетированным потолком (2 точки схода).

После того, как со второго десятилетия 14 века художественная жизнь в Риме замерла, ведущая роль в итальянской живописи перешла к флорентийской школе.
Роль Флоренции в истории Итальянского Возрождения исключительна. В течении двух столетий она была неким художественным центром страны.
В начале 14 в. Флоренция была богатым и процветающим городом-республикой. Основу благосостояния города составляло сукноделие.
Вся полнота власти находилась по конституции республики у ремесленных цехов и купеческих гильдий. Знать была отстранена от всякого участия в политической жизни.

Цехи и гильдии взяли на себя заботу об украшении города и были главными заказчиками на произведения искусства.
Рождение проторенессансного искусства Флоренции связывают с именем Ченни ди Пеппо, прозванного Чимабуэ. Ок. 1240 – ок. 1302.
Джорджо Вазари, с которого началась история искусств в Европе, свою книгу о художниках Возрождения «Жизнеописания знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» начал именно с Чимабуэ. Он писал: «Нескончаемым потоком бедствий, затопившим и низвергшим в бездну несчастную Италию, не только были разрушены памятники архитектуры но, что еще существеннее, как бы уничтожены были совершенно и все художники. И вот тогда-то, по воле Божией, и родился в городе Флоренции в 1240 году, дабы возжечь первый свет искусству живописи, Джованни по фамилии Чимабуэ .
в конце концов, прожив 60 лет, он отошел в другую жизнь , почти что возродив живопись.
Остается мне сказать о Чимабуэ, что в начале нашей книги можно видеть кое-какие небольшие вещи, выполненные его рукой в духе миниатюр; и хотя теперь они и кажутся довольно неуклюжими, все же по ним можно судить, сколько хороших качеств приобрело искусство рисунка благодаря его творениям».

Маэста (Мадонна с младенцем и ангелами) из церкви Санта Тринита. 1280-1285. Уффици. Алтарная картина.
– В фигурах пророков чувствуется стремление отойти от греческой манеры имперсональности образов.
– Новые искания и в попытке объединить группу общим действием – ангелы поддерживают трон, двое из пророков смотрят на мадонну с младенцем.
– Элементы пространственности в построении трона.
Но пока в композиции нет глубины и фигуры остаются плоскостными. Византийская иконографическая схема пока господствует в работе.

Самым радикальным реформатором живописи был Джотто ди Бондоне. 1266/67 – 1337.
Именно к его деятельности приурочивается обычно возникновение нового искусства. В произведениях он достигает огромной силы драматического напряжения и психологической глубины. Работал как живописец, скульптор и архитектор. Но главное призвание – живопись.
– Большие повествовательные циклы.
– Новое понимание пространства и объема.
– Взволнованность и экспрессия образов.
– Сила в столкновении контрастов и передаче человеческих чувств.
Сам Данте в «Божественной комедии» упомянул Джотто:
16:35 03.06.2010 Кисть Чимабуе славилась одна,
А ныне Джотто чествуют без лести,
А живопись того затемнена.

Церковь Сан Франческо в Ассизи. Посвящена святому Франциску (1182 – 1226), основавшему орден нищенствующих монахов.
Цитата из книги Александра Викторовича Степанова «Искусство эпохи Возрождения». Стр. 80. о церкви в Ассизи.
На высоте около 2 м от пола Джотто с помощниками написали 27 картин 2,7 х 2,3 м.
Настоящий каркас был подхвачен иллюзорными архитектурными деталями. Например, мнимый карниз незаметно переходит в действительный.

1. Предсказание славы св.Франциску.
2. Дарение плаща прославленному обнищавшему воину.
3. Св.Франциск видит сон о дворце, наполненном оружием.

Центральной работой Джотто является роспись капеллы дель Арена в Падуе.

Истории Иоакима (отца Марии, Изгнание Иоакима из храма), Марии и Христа в передаче Джотто – это повествования с присказкой «как сейчас вижу».

Симоне Мартини. Ок. 1285 – 1344.
Гвидориччо де Фольяни. Фрагмент фрески в Палаццо Публико в Сиене. 1328

Симоне Мартини. Благовещенье.

Симоне Мартини. Мадонна.

Амброджо Лоренцетти. ? – 1348. Фреска в Палаццо Публико в Сиене. Доброе и дурное правление и их последствия. 1337 – 1339.

Итальянский Проторенессанс: художники на пороге Возрождения

Проторенессанс (Рroto-renaissance) — это два века в развитии итальянского искусства, предшествовавшие Возрождению: XIII и XIV столетия. В отличие от Ренессанса, представляющего собой культурную эпоху общеевропейского значения, Проторенессанс — явление итальянское. Из него, как из зерна, выросло итальянское Возрождение, распространившее культурные побеги по всей Европе.

Термин предложил швейцарский историк Якоб Буркхардт (Jacob Christoph Burckhardt). Слово сложено из древнегреческого πρῶτος («первый») и французского Renaissance. Если речь идёт о стиле, пишут со строчной буквы, если об эпохе — с заглавной.

Заря Возрождения

Поверхностное знакомство с историей живописи порой приводит к непониманию: как средневековые художники внезапно начали писать ренессансные шедевры? Водораздел кажется настолько резким, художественные принципы настолько различаются, что появление возрожденческих шедевров представляется неким чудом.

На самом деле, переход был плавным. Изучение проторенессансного творчества наглядно демонстрирует, как творцы нащупывали путь к новым идеалам. Эти поиски заняли у них два столетия, которые в Италии называются «дученто» и «треченто». Данные термины часто используются искусствоведами и других стран.

Дученто (1200-е годы, или XIII век) — это время зарождения проторенессансных тенденций, в основном, в скульптуре и архитектуре. А треченто (1300-е, или XIV столетие) ознаменовалось бурным развитием живописи.

Характерные особенности Проторенессанса

Проторенессансное искусство — не резкий водораздел между Средними веками и Ренессансом, а этап в развитии, когда готические и византийские художественные традиции сосуществовали с набирающими силу новыми тенденциями, плавно уходя со сцены.

Для этого периода характерны:

• уход от религиозности и стремление к светскости;
• нарастание интереса к античному наследию;
• появление в изображениях элементов чувственного;
• курс на усиление реализма в творчестве.

Формы становятся более реалистичными, осязательными, материально убедительными. Художники ищут способы передать перспективу, объём, пропорции. Но в работах ещё остаётся место аллегориям и символизму. Большинство сюжетов по-прежнему религиозные. Тем не менее, всё отчётливее звучат и светские мотивы, одним из которых стало обособление портрета как отдельного жанра.

Ключевые имена эпохи Проторенессанса

Начало развития проторенессансной живописи связывают с именем Пьетро Каваллини (Pietro Cavallini). Его коллеги работали в так называемой византийской манере, для которой характерны плоскостные формы, некоторая абстрактность и резкие контрасты цвета. Каваллини экспериментировал со светотенью, чтобы сделать переходы между оттенками мягче и добиться объёмности.

Значительная фигура — флорентиец Ченни ди Пепо (Cenni di Pepo), получивший прозвище Чимабу́э (Cimabue), что в переводе означает «быкоголовый». Мастера так называли за упрямство и высокие требования, которые он предъявлял к себе. Продолжая работать в византийской традиции, он внёс в неё свежее дыхание: композиции делал оживлёнными, в палитре стремился сочетать изящество и натуральность красок.

Интересно, что «Осмеяние Христа» Чимамбуэ считают самым дорогим произведением средневекового искусства (творчество многих проторенессансных художников часто относят к Средневековью из-за того, что оно находится на стыке эпох, а Чимамбуэ считают последним крупным итальянским мастером византийского направления). Работа была продана на аукционе за 19,5 млн евро (а с учётом комиссии — €24 млн).

Ещё более радикальным были художественные реформы великого Джотто ди Бондоне (Giotto di Bondone). Создавая фрески, расписные кресты, полиптихи и алтарные картины, он углубляет пространство, вносит в изображения динамику, вписывает героев в реалистичную обстановку. Джотто перестал изображать в одной композиции моменты, относящиеся к разному времени, что часто делали средневековые мастера. Всё это позволило ему отойти от византийской иконописной традиции.

Мощным новаторским моментом стало внесение Джотто в традиционные религиозные сюжеты человеческих чувств. Пожалуй, именно это сделало мастера предтечей ренессансного антропоцентризма. Его работы вдохновляли Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэля.

Большую роль в развитии проторенессансной живописи сыграли братья Лоренцетти из Сиены. Пьетро Лоренцетти (Pietro Lorenzetti) добавил к изящному декоративизму сиенской традиции темперамент и драматизм.

Амброджо Лоренцетти (Ambrogio Lorenzetti) в своих работах стремился придать объём фигурам. Стремясь к реалистичности, он делал для «Аллегории доброго и дурного правления в городе и деревне» зарисовки пейзажей. Благодаря этому, фон сельской местности, на котором происходит действие, оказался вполне узнаваемым, что стало несомненным художественным прорывом.

Но главным новаторством стал практически полный отказ Амброджо Лоренцетти от религиозных отсылок при создании упомянутой «Аллегории», написанной в сиенской ратуше. Это был важный шаг к светскому ренессансному искусству.

Стилистические находки Джотто и его коллег заложили основу итальянской школы. На этом фундаменте в начале XV столетия и начало подниматься к своим высотам искусство Возрождения.

Эпоха Возрождения: Проторенессанс, раннее, высокое и позднее Возрождение. Титаны Высокого Возрождения

В своей борьбе с традицией готики художники раннего Возрождения искали опору в античности и искусстве Проторенессанса. То, что только интуитивно, на ощупь искали мастера Проторенессанса, теперь основывается на точных знаниях. Итальянское искусство XV века отличается большой пестротой. Различие условий, в которых формируются местные школы, порождает разнообразие художественных течений. Новое искусство, победившее в начале XV века в передовой Флоренции, далеко не сразу получило признание и распространение в других областях страны.

В то время как во Флоренции работали Брунелесски, Мазаччо, Донателло, в северной Италии еще были живы традиции византийского и готического искусства, лишь постепенно вытесняемые Ренессансом.

С конца XIV в. власть во Флоренции переходит к дому банкиров Медичи. Его глава, Козимо Медичи, стал негласным правителем Флоренции. Ко двору Козимо Медичи (а затем и его внука Лоренцо, прозванного Великолепным) стекаются писатели, поэты, ученые, архитекторы и художники. Начинается век медицейской культуры. Первые признаки новой, буржуазной культуры и зарождение нового, буржуазного мировоззрения особенно ярко проявились в XV в., в период кватроченто.

Но именно потому, что процесс сложения новой культуры и нового мировоззрения не был завершен в этот период (это произошло позже, в эпоху окончательного разложения и распада феодальных отношений), XV век полон творческой свободы, смелых дерзаний, преклонения перед человеческой индивидуальностью. Это поистине век гуманизма. Кроме того, это эпоха, полная веры в безграничную силу разума, эпоха интеллектуализма. Восприятие действительности проверяется опытом, экспериментом, контролируется разумом. Отсюда тот дух порядка и меры, который столь характерен для искусства Ренессанса. Геометрия, математика, анатомия, учение о пропорциях человеческого тела имеют для художников огромное значение; именно тогда начинают тщательно изучать строение человека; в XV в. итальянские художники решили и проблему прямолинейной перспективы, которая уже назрела в искусстве треченто.

В формировании светской культуры кватроченто огромную роль сыграла античность. XV столетие демонстрирует прямые связи с ней культуры Возрождения.

В XV вв. итальянская скульптура переживала расцвет. Она приобрела самостоятельное, независимое от архитектуры значение, в ней появились новые жанры. В практику художественной жизни начинали входить заказы богатых купеческих и ремесленных кругов на украшение общественных зданий; художественные конкурсы приобретали характер широких общественных мероприятий. Событием, которое открывает новый период в развитии итальянской ренессансной скульптуры, считается состоявшийся в 1401 г. конкурс на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия. Среди участников конкурса были молодые мастера — Филиппо Брунеллески и Лоренцо Гиберти (около 1381-1455). Победил на конкурсе блестящий рисовальщик Гиберти. Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, Гиберти, в творчестве которого главным были равновесие и гармония всех элементов изображения, посвятил жизнь одному виду скульптуры — рельефу. Его искания достигли вершины в изготовлении восточных дверей флорентийского баптистерия (1425—1452 гг.), которые Микеланджело назвал «Вратами рая». Составляющие их десять квадратных композиций из позолоченной бронзы передают глубину пространства, в которой сливаются фигуры, природа, архитектура. Они напоминают выразительностью живописные картины. Мастерская Гиберти стала настоящей школой для целого поколения художников. В его мастерской в качестве помощника работал молодой Донателло, в будущем великий реформатор итальянской скульптуры. Донато ди Никколо ди Бетто Барди, которого называли Донателло (около 1386—1466), родился во Флоренции в семье чесальщика шерсти. Он работал во Флоренции, Сиене, Риме, Падуе. Однако огромная слава не изменила его простого образа жизни. Рассказывали, что бескорыстный Донателло вешал кошелёк с деньгами у двери своей мастерской, и его друзья и ученики брали из кошелька столько, сколько им было нужно.

С одной стороны, Донателло жаждал в искусстве жизненной правды. С другой, он придавал своим работам черты возвышенной героики. Эти качества проявились уже в ранних работах мастера — статуях святых, предназначенных для наружных ниш фасадов церкви Ор Сан-Микеле во Флоренции, и ветхозаветных пророков флорентийской кампанилы. Статуи находились в нишах, но они сразу привлекали внимание суровой выразительностью и внутренней силой образов. Особенно известен «Святой Георгий» (1416 г.) — юноша-воин со щитом в руке. У него сосредоточенный, глубокий взгляд; он прочно стоит на земле, широко расставив ноги. В статуях пророков Донателло особенно подчёркивал их характерные черты, подчас грубоватые, неприкрашенные, даже уродливые, но живые и естественные. У Донателло пророки Иеремия и Аввакум — цельные и духовно богатые натуры. Их крепкие фигуры скрыты тяжёлыми складками плащей. Жизнь избороздила глубокими морщинами поблёкшее лицо Аввакума, он совсем облысел, за что его во Флоренции и прозвали Цукконе (Тыква).

В 1430 г. Донателло создал «Давида» — первую обнажённую статую в итальянской скульптуре Возрождения.

Поездка в Рим вместе с Брунеллески чрезвычайно расширила художественные возможности Донателло, его творчество обогатилось новыми образами и приёмами, в которых сказалось влияние античности. В творчестве мастера наступил новый период. В 1433 г. он завершил мраморную кафедру флорентийского собора. Всё поле кафедры занимает ликующий хоровод пляшущих путти — нечто вроде античных амуров и одновременно средневековых ангелов в виде обнажённых мальчиков, иногда крылатых, изображённых в движении. Это излюбленный мотив в скульптуре итальянского Возрождения, распространившийся затем в искусстве XVII—XVIII вв.

Второе поколение флорентийских скульпторов тяготело к более лирическому, умиротворённому, светскому искусству. Ведущая роль в нём принадлежала семье скульпторов делла Роббиа. Глава семьи Лукка делла Роббиа (1399 или 1400—1482), современник Брунеллески и Донателло, прославился применением глазурной техники в круглой скульптуре и рельефе, часто сочетая их с архитектурой. Техника глазури (майолики), известная с глубокой древности народам Передней Азии, была в Средние века завезена на Пиренейский полуостров и остров Майорку, почему и получила своё название, а затем широко распространилась в Италии. Лукка делла Роббиа создавал медальоны с рельефами на густо-синем фоне для зданий и алтарей, гирлянды из цветов и плодов, майоликовые бюсты Мадонны, Христа, Иоанна Крестителя. Жизнерадостное, нарядное, доброе искусство этого мастера получило заслуженное признание современников. Большого совершенства в технике майолики достиг также его племянник Андреа делла Роббиа (1435—1525).

Огромная роль, которую в архитектуре раннего Возрождения сыграл Брунеллески, а в скульптуре — Донателло, в живописи принадлежала Мазаччо. Брунеллески и Донателло переживали творческий расцвет, когда родился Мазаччо. По словам Вазари, «Мазаччо стремился изображать фигуры с большой живостью и величайшей непосредственностью наподобие действительности». Мазаччо умер молодым, не дожив до 27 лет, и всё же успел сделать в живописи столько нового, сколько иному мастеру не удавалось за всю жизнь.

Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи, прозванный Мазаччо (1401 — 1428), родился в местечке Сан-Вальдарно близ Флоренции, куда он юношей уехал учиться живописи. Существовало предположение, что его учителем был Мазолино де Паникале, с которым он затем сотрудничал; сейчас оно отвергнуто исследователями. Мазаччо работал во Флоренции, Пизе и Риме. Классическим образцом алтарной композиции стала его «Троица» (1427—1428), созданная для церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции. Фреска выполнена на стене, уходящей в глубину капеллы, которая построена в форме ренессансной арочной ниши. На росписи представлены распятие, фигуры Марии и Иоанна Крестителя. Их осеняет образ Бога-Отца. На переднем плане фрески запечатлены коленопреклонённые заказчики, как бы находящиеся в самом помещении церкви. Расположенное в нижней части фрески изображение саркофага, на котором лежит скелет Адама. Надпись над саркофагом содержит традиционное средневековое изречение: «Я был таким когда-то, как вы, и вы будете такими, как я».

До 50-х гг. XX в. это произведение Мазаччо в глазах любителей искусства и учёных отступало на второй план перед его знаменитым циклом росписей капеллы Бранкаччи. После того как в 1952 г. фреска была перенесена на прежнее место в храме, промыта, отреставрирована, когда была обнаружена её нижняя часть с саркофагом, «Троица» привлекла к себе пристальное внимание исследователей и любителей искусства. Творение Мазаччо замечательно во всех отношениях. Величавая отрешённость образов сочетается здесь с не виданной до тех пор реальностью пространства и архитектуры, с объёмностью фигур, выразительной портретной характеристикой лиц заказчиков и с удивительным по силе сдержанного чувства образом Богоматери. В те же годы Мазаччо (в содружестве с Мазолино) создал в церкви Санта – Мария дель Кармине росписи капеллы Бранкаччи, названные так по имени богатого флорентийского заказчика.

Перед живописцем стояла задача средствами линейной и воздушной перспективы построить пространство, разместить в нём мощные фигуры персонажей, правдиво изобразить их движения, позы, жесты, а затем масштабы и цвет фигур связать с природным или архитектурным фоном. Мазаччо не только успешно справился с этой задачей, но и сумел передать внутреннее напряжение и психологическую глубину образов.

Сюжеты росписей в основном посвящены истории апостола Петра. Самая известная композиция «Чудо со статиром» рассказывает, как у ворот города Капернаума Христа с учениками остановил сборщик налогов, требуя у них денег на поддержание храма. Христос повелел апостолу Петру выловить в Генисаретском озере рыбу и извлечь из неё статир. Слева на втором плане зритель видит эту сцену. Справа Пётр вручает деньги сборщику. Таким образом, композиция соединяет три разновременных эпизода, в которых трижды предстаёт апостол. В новаторской по существу живописи Мазаччо этот приём — запоздалая дань средневековой традиции изобразительного рассказа, от него в то время уже отказались многие мастера и более столетия назад сам Джотто. Но это не нарушает впечатления смелой новизны, которой отличаются весь образный строй росписи, её драматургия, жизненно убедительные, чуть грубоватые герои. Иногда в выражении силы и остроты чувства Мазаччо опережает своё время. Вот фреска «Изгнание Адама и Евы из рая» в той же капелле Бранкаччи. Зритель верит тому, что Адама и Еву, нарушивших Божественный запрет, ангел с мечом в руках действительно изгоняет из рая. Главное здесь — не библейский сюжет и внешние детали, а ощущение беспредельного человеческого отчаяния, которым охвачены Адам, закрывший лицо руками, и рыдающая Ева, с запавшими глазами и тёмным провалом искажённого криком рта. В августе 1428 г. Мазаччо уехал в Рим, не закончив росписи, и вскоре внезапно умер. Капелла Бранкаччи стала местом паломничества живописцев, перенимавших приёмы Мазаччо. Однако многое в творческом; наследии Мазаччо сумели оценить лишь следующие поколения. В творчестве его современника Паоло Уччелло (1397—1475), принадлежавшего к поколению мастеров, работавших после смерти Мазаччо, тяга к нарядной сказочности приобретала подчас наивный оттенок. Эта особенность творческого стиля художника стала его своеобразной визитной карточкой. Прелестна его ранняя маленькая картина «Святой Георгий». Решительно шагает на двух ногах зелёный дракон с винтообразным хвостом и узорчатыми крыльями, словно вырезанными из жести. Он не страшен, а забавен. Сам художник, вероятно, улыбался, создавая эту картину. Но в творчестве Уччелло своенравная фантазия сочеталась со страстью изучения перспективы. Эксперименты, чертежи, зарисовки, которым он посвящал бессонные ночи, Вазари описывал как чудачества. Между тем в историю живописи Паоло Уччелло вошёл как один из тех живописцев, кто впервые стал применять в своих полотнах приём линейной перспективы. В молодости Уччелло работал в мастерской Гиберти, затем выполнял мозаики для собора Сан-Марко в Венеции, а вернувшись во Флоренцию, познакомился с росписями Мазаччо в капелле Бранкаччи, оказавшими на него огромное влияние. Увлечение перспективой отразилось в первом произведении Уччелло — написанном им в 1436 г. портрете английского кондотьера Джона Хоквуда, известного итальянцам как Джованни Акуто. Огромная монохромная (одноцветная) фреска изображает не живого человека, а его конную статую, на которую зритель смотрит снизу вверх. Смелые искания Уччелло нашли выражение в трёх его известных картинах, заказанных Козимо Медичи и посвящённых битве двух флорентийских полководцев с войсками Сиены при Сан-Романо. В удивительных картинах Уччелло на фоне игрушечного пейзажа сошлись в ожесточённой схватке всадники, и воины перемешались копья, щиты, древки знамён. И, тем не менее, сражение выглядит условной, застывшей на редкость красивой, поблёскивающей золотом декорацией с фигурами коней красного, розового и даже голубого цвета.

Источники:

http://iskusstvu.ru/electronnoe_uchebnoe_posobie/5_1_1_iskusstvo_jepohi_vozrozhdenija_v_italii_iskusstvo_protorenessansa.html
http://veryimportantlot.com/ru/news/blog/protorenessans-zhivopiscy-na-poroge-vozrozhdeniya
http://www.sites.google.com/site/vozrozdenievitalii/home/rannee-vozrozdenie