Описание картин русских и зарубежных художников. Самые известные картины Пабло Пикассо

Описание картин русских и зарубежных художников. Самые известные картины Пабло Пикассо

Пабло Пикассо. Гениальный художник и его знаменитые картины

Пабло Пикассо – известнейший, самый «дорогой» и на редкость гениальный художник, чья деятельность значительно повлияла на развитие искусства 20-го века. Благодаря смелым и инновационным художественным начинаниям, этот испанец достиг мировой известности в возрасте до 50 лет, став самым почитаемым художником в западном полушарии.

Уникальный стиль и божественная одаренность позволили Пикассо влиять на эволюцию современного искусства и на весь художественный мир.

Пабло Пикассо родился в 1881 году в испанском городе Малага. Он в раннем возрасте обнаружил свой талант и поступил в школу изящных искусств, когда ему было 15 лет.

Большую часть жизни художник провел в любимой Франции. В 1904 г. он переехал в Париж, а в 1947 г. переместился на солнечный юг страны.

Творчество Пикассо подразделяют на уникальные и интересные периоды.

Его ранний «голубой период» начался в 1901 году и продлился около трех лет. Большая часть художественных работ, созданных в это время, характеризуется человеческими страданиями, нищетой и оттенками голубого цвета.

«Розовый период» продлился примерно в течение года, начавшись в 1905 году. Для этой фазы характерна более легкая розово-золотистая и розово-серая палитра, а в качестве персонажей выступают в основном бродячие артисты.

Картина, которую Пикассо нарисовал в 1907 году, обозначила собой переход к новому стилю. Художник в одиночку изменил ход современного искусства. Это были «Авиньонские девицы», вызвавшие много потрясений в тогдашнем обществе. Изображение обнаженных проституток в стиле кубизма стало настоящим скандалом, но послужило основой для последующего концептуального и сюрреалистического искусства.

В преддверии Второй мировой войны, во время конфликта в Испании Пикассо создал еще одно блестящее произведение – картину «Герника». Непосредственным источником вдохновения послужила бомбардировка Герники, полотно олицетворяет протест художника, осуждавшего фашизм.

В своем творчестве Пикассо посвятил много времени исследованию комедии и фантазии. Он также реализовался как график, скульптур, декоратор и керамист. Мастер постоянно работал, создавая огромное количество иллюстраций, рисунков и конструкций причудливого содержания. На заключительном этапе своей карьеры он писал вариации знаменитых картин Веласкеса и Делакруа.

Пабло Пикассо умер в 1973 году во Франции в возрасте 91 года, успев создать 22 000 произведений искусства.

Картины Пабло Пикассо:

Мальчик с трубкой, 1905 год

Эта картина раннего Пикассо относится к «розовому периоду», он написал её вскоре после приезда в Париж. Здесь изображен мальчик с трубкой в руке и венком из цветов на голове.

Старый гитарист, 1903 год

Картина относится к «голубому периоду» творчества Пикассо. На ней изображен старый, слепой и нищий уличный музыкант с гитарой. Работа выполнена в голубых оттенках и опирается на экспрессионизм.

Авиньонские девицы, 1907 год

Пожалуй, самая революционная живопись в современном искусстве и первая картина в стиле кубизма. Мастер игнорировал общепринятые эстетические правила, шокировал пуристов и единолично изменил ход искусства. Он своеобразно изобразил пять обнаженных проституток из борделя в Барселоне.

Бутылка рома, 1911 год

Пикассо закончил эту картину во французских Пиренеях, излюбленном месте музыкантов, поэтов и художников, кубисты облюбовали его до Первой мировой войны. Работа выполнена в сложном кубистском стиле.

Голова, 1913 год

Это знаменитое произведение стало одним из самых абстрактных кубистских коллажей. Профиль головы можно проследить в полукруге, очерченном древесным углем, но все элементы лица значительно сводятся к геометрическим фигурам.

Натюрморт с компотом и бокалом, 1914-15гг.

Формы чистого цвета и граненые объекты сопоставляются и накладываются друг на друга, создавая гармоничную композицию. Пикассо в этой картине демонстрирует практику коллажа, которую часто использует в своем творчестве.

Девушка перед зеркалом, 1932 год

Это портрет молодой любовницы Пикассо – Марии-Терезы Вальтер. Натурщица и ее отражение символизируют переход от девушки к соблазнительной женщине.

Герника, 1937 год

Эта картина изображает трагическую природу войны и страдания невинных жертв. Работа монументальна по своим масштабам и значению, во всем мире ее воспринимают в качестве антивоенного символа и плаката за мир.

Плачущая женщина, 1937 год

Пикассо интересовала тема страданий. Эта детализированная картина с искаженным в гримасе, деформированным лицом считается продолжением «Герники».

Голая женщина на пляже и лопата, 1960 год

Сцена в значительной степени уменьшена за счет отказа от третьего измерения. Это стиль позднего кубизма с четкими веяниями сюрреализма в теме и манере написания.

Похищение сабинянок, 1962 год

Художник написал эту картину на пике Карибского кризиса, изобразив тень с угрозой войны между Востоком и Западом.

Самые известные картины Пикассо

Символом мира считается голубь с оливковой ветвью от Пикассо. Этот человек был не только гениальным художником, импрессионистом и основателем кубизма, он был гуманистом, общественным деятелем и борцом за мир. Сейчас рассмотрим самые знаменитые работы Пикассо.

Самые известные картины Пабло Пикассо:

Наука и благотворительность (1897)

Внушительная работа юного шестнадцатилетнего Пикассо удивляет своим размахом и смыслом. Картина написана в стиле реализма. У постели больной женщины сидит доктор. Рядом стоит монахиня — она взяла заботу о ребёнке больной женщины.

Работа блестяще выполнена в классической манере академической живописи. Эта работа была отмечена почётной наградой и золотой медалью на разных выставках. Несмотря на грандиозный успех, Пикассо больше никогда не возвращался к академизму.

Автопортрет в голубой период (1901)

Портрет написан художником в начале своего творческого пути и искания. В начале «голубого периода» он натыкается на непонимание со стороны зрителей. К тому же он погряз в безденежье, и его не отпускала чёрная полоса жизни. Автопортрет Пикассо — образ полного отчаяния и одиночества, душевного холода.

Читать еще:  Новаторство грибоедова в комедии "горе от ума". Драматургическое новаторство Грибоедова в комедии «Горе от ума

Ребёнок с голубем (1901)

Картина французского или «голубого периода», когда молодой Пикассо проживал в Париже, показывает яркую индивидуальность начинающего импрессиониста.

Маленькая девочка в белом платье трогательно прижимает к себе голубя. Её коротко остриженные рыжие волосы контрастируют с холодным и безликим фоном картины. У ног девочки лежит ярко раскрашенный мяч. Вероятно, Пикассо изобразил на картине свою умершую в детстве младшую сестру.

Эта картина очень печальна. В тот период в жизни художника происходили различные трагические события, которые повлияли на стиль написания картин. В них преобладали оттенки голубого цвета, что дало соответствующее название периоду творчества Пикассо.

Трагедия (1903)

Картина «Трагедия» — очередное полотно «голубого периода» в жизни Пикассо. Картина изображает трёх людей: женщину, мужчину и ребёнка в самый тяжёлый момент их жизни. Люди отчаялись, лишения и бедность подкосили их. Они стоят босыми на берегу моря, им холодно, они кутаются в свои жалкие одежды.

Мужчина не знает, что делать, чтобы спасти семью. Ребёнок ищет поддержки у отца, но тот погружен в свои мысли. Синий цвет картины подчёркивает невыносимую тоску и бедность низших слоёв общества, их трагическую судьбу.

Старый гитарист (1903)

Это полотно также написано в знаменитый «голубой период» творчества Пикассо. Трагическая составляющая картины подчёркнута холодной цветовой гаммой. Старый, слепой, истощённый музыкант сжимает свою единственную подругу — старую гитару. Его физические и духовные страдания очень быстро передаются зрителю. Возле этой картины начинаешь ощущать неизбежность смерти и невыносимое одиночество.

Жизнь (1903)

Эта картина также написана в «Голубой период» творчества и признана мировым шедевром, хотя Пикассо не любил эту работу и считал её незавершённой. Сюжет картины описывает четыре основных периода в жизни человека: рождение, любовь, одиночество и смерть.

На фоне голубого, плавно переходящего в зелёный, изображены статичные и абсолютно без эмоций человеческие фигуры. Слева — влюблённая пара, справа — одинокая мать с новорождённым ребёнком, в центре вверху — прощание и внизу в центре смерть.

Девочка на шаре (1905)

Одним из самых известных и монументальных полотен Пикассо является «Девочка на шаре». Сочетание статичности и движения, большого и маленького, основательного и хрупкого создаёт удивительный контраст.

Мощная, застывшая глыба сидящей мужской фигуры акробата на абсолютно устойчивом кубе и хрупкая фигурка девочки, балансирующей на шаре, занимают всё пространство полотна. На заднем плане изображены маленькие фигурки женщины и ребёнка, собаки и белой лошади. Они уравновешивают композицию и делают её целостной.

Семейство комедиантов (1905)

На смену «Голубому периоду» в жизни Пикассо пришёл «Розовый период» одиночества и бедности. «Семейство комедиантов» — картина, предвещающая смену живописного стиля Пикассо. Тональность и цветовая гамма его полотен сменилась. В них появились тёплые розовые, серые и жёлтые оттенки.

В те годы его увлёк мир циркового и театрального искусства. Персонажами таких картин стали жонглёры, акробаты, клоуны, наездницы. На картине изображена группа цирковых бродячих артистов. Акробаты, шуты, Арлекин, держащий за руку дочь, девушка на переднем плане — группа глубоко одиноких и обездоленных персонажей.

Авиньонские девицы (1907)

Картина была написана в начале века, а выставлена только через тридцать лет. Авангардное полотно не было оценено его современником — А. Матиссом. Предполагают, что критика с его стороны была явной ревностью, ибо картина была настолько хороша, что впоследствии приобрела огромную популярность.

Видимо, Пикассо опережал своё время на шаг вперёд. Эта картина стала очередной ступенькой в творчестве художника, как кубиста. На этом полотне уже видны зарождающие черты этого стиля. Анре Сальмонт, друг художника, предложил назвать полотно «Авиньонские девицы».

Кстати, если вы хотите узнать нашу версию рейтинга самых красивых женщин в истории, переходите по ссылке.

Сидящая женщина (1909)

Портрет Фернанды, своей постоянной натурщицы, Пикассо выполнил необычной манере. Кубизм только зарождался, и художник искал всевозможные способы изображения. Весь портрет разделён на мелкие детали. Картина написана в светло-коричневых и зеленоватых тонах. Маленькая голова контрастирует с крупным телом. Изображение одновременно и объёмное, и плоское. В отдельных сегментах присутствует градация тона — от светлого к тёмному, что даёт эффект объёма общего вида.

Три танцора (1925)

Пикассо в конце своей жизни назвал своё первое сюрреалистичное полотно «Пляской смерти». Картина изображала любовный треугольник двух своих друзей и роковой женщины, любовь к которой привела к их трагической гибели.

Сон (1932)

Картина написана в стиле сюрреализма. На картине художник изобразил Марию-Терезу Вальтер свою прекрасную возлюбленную. Ни одну женщину он не писал с большей любовью, и этому доказательство — картина «Сон».

Её красивое лицо изыскано, поза женщины расслаблена, голова слегка запрокинута и имеет форму разбитого сердца, её округлые изгибы полные неги. Руки, сложенные на животе подчёркивают будущее материнство натурщицы. Она в ожидание младенца — дочери художника.

Советуем посмотреть на картины знаменитого сюрреалиста Сальвадора Дали, опубликованные на нашем сайте most-beauty.ru.

Девушка перед зеркалом (1932)

Очередной портрет Марии Терезии Вольтер написан в необычной манере. Художник ищет новые формы. На картине изображена молодая женщина перед зеркалом. Её округлый живот привлекает внимание, как и отражение в зеркале. Необычное цветовое решение, формы делают эту картину загадочной и таинственной. Это полотно в 2015 году было продано за рекордную сумму — 115 млн долларов.

Читать еще:  Чувство стыда: почему возникает и как с ним бороться? Стыд при воспитании детей. Развития чувства стыда в филогенезе и онтогенезе

Герника (1937)

Бомбардировка нацистами города Герники в 1937 г. вызвала у Пикассо протест и возмущение. Под воздействием этого события он изобразил экспрессионистскую картину, полную ужаса, слёз и страданий. Размер картины потрясает — 3,4 на 7,8 метров — во всю стену мастерской художника. В Правой части изображены пылающие здания, из которых в ужасе бегут люди, в основном женщины.

Одна женская фигура охвачена огнём в проёме окна, в левом углу картины кричащая от горя мать с мёртвым ребёнком на руках. Растерзанная женщина с раскинутыми руками — символ смерти. Лампа и фонарь — символ внезапного нападения среди ночи. Эта картина напоминает коллаж из фигур, будто вырезанных из утренних газет. Наполненная эмоциями картина производит неизгладимое впечатление.

Бюст Женщины (1937)

Один из немногих изображений Доры Маар, которое передаёт её красоту. На сложном зелёном фоне с распущенными волосами изображена кареглазая Дора. Её персиковое румяное лицо излучает нежность. Ранее Пикассо писал свою любимую натурщицу в сценах плача или неистового горя. По прошествии трагедии в Гернике, этот портрет немного поднимает настроение художника.

Плачущая женщина / Дора Маар с платком (1937)

Образ женщины в творчестве Пикассо обыгрывался множество раз. Ему терпеливо позировали самые красивые женщины. Одной из них была его близкая подруга — красавица Дора Маар. Серия «Плачущая женщина» довольно большая и затрагивает различные эмоциональные переживания: от глубокого горя и отчаяния до слёз радости.

Картина «Плачущая женщина», для которой позировала Дора Маар, изображает горе и страдание в стиле кубизма. Яркие краски и угловатые формы подчёркивают плоскость изображения. Необычайный эффект достигается путём изображения нижней части лица, просвечивающейся сквозь ткань платка.

Красная шляпка с ярким синим цветком, разноцветные тонкие полосы волос, «вдребезги» разбитые стёкла глаз создают необычайное эмоциональное восприятие картины. В этом всё волшебство и гений Пикассо — из раздробленных частей создать цельный образ.

Голова быка (1942)

Бык — это символ неуправляемой силы и жестокости, неотвратимости беды. Бык Пикассо — символ Второй мировой войны. Необычное скульптурное изображение головы быка выполнено Пикассо из деталей обычного велосипеда. Мордой быка стало кожаное велосипедное сидение, а рогами стал металлический руль. Лаконизм — в этом весь Пикассо.

Дон Кихот (1955)

Простой набросок, чернильный эскиз изображает персонажей культового испанского произведения «Дон Кихот». Символичность рисунка блестяще отображает характеры персонажей. Дон Кихот сидит, понурившись, на своём старом и унылом Росинанте. В его руке копьё для сражения с мельницами, которые изображены на горизонте. Рядом на ослике восседает увесистый и основательный Санчо Панса. Этот рисунок стал классическим и бесспорным иллюстративным изображением героев бессмертного романа Сервантеса.

Чикагский Пикассо (1967)

В 1967 году в Чикаго на площади возле Daley Center была установлена большая скульптура, автором которой является Пабло Пикассо. Эту скульптуру называют Чикагским Пикассо. Она полюбилась не только жителям города, но его многочисленным гостям.

Художник не давал намёков, что или кого он изобразил, но подозревают, что это образ Лидии Корбет, которая позировала художнику. В скульптуре можно узнать её по высоко поднятому «конскому» хвосту и длинной шее.

Поцелуй (1969)

Среди работ Пикассо есть серия полная страсти и романтизма — «Поцелуй». Среди них выделяется картина 1969 года, когда творчество художника достигло наивысшего мастерства. Далёкая от реализма картина изображает целующуюся пару. В картине накал страстей подчёркивается большим количеством всевозможных линий: линии на обоях, линии позади мужской фигуры, завитки волос в виде тех же линий.

Эта картина изображает различие чувств мужчины и женщины, эмоциональную дистанцию между партнёрами. Женщина изображена более чувственной и трепещущей, а мужчина наоборот — отрешённым и безразличным. Мысли мужчины витают где-то в другом месте, но не рядом с любящей женщиной.

Это одна из самых интересных картин Пикассо по мнению редакции most-beauty.ru. Для усиления драматизма Пикассо использует для написания картины различные технические приёмы и монохромную живопись.

Купальщица (1971)

Тема купальщиц поднималась Пабло Пикассо в течение всей его жизни. Это целая серия работ, посвящённая женскому телу и женской красоте. Символические знаки, в основе которых использовались иберийские узоры, символы, сложные формы и таинственные обозначения Пабло Пикассо использовал, чтобы изобразить таинственность и величие женщины. Обнажённые фигуры на фоне моря в различных художественных стилях получали с каждым годом всё новое и новое развитие.

Очередную «Купальщицу» Пикассо написал за два года до смерти. В зелёных волнах бурного моря плещется обнажённая женщина. Её плавные формы сливаются с волнами, а широко раскрытые миндалевидные глаза сияют радостью от купания.

Послесловие

Автопортрет, Пабло Пикассо, 1907.

Гений Пикассо, его творческая активность, прогрессивность, любовь к жизни подарили миру исключительные шедевры живописи и скульптуры. Пабло Пикассо считается самым популярным и дорогим художником в мире. Каждая его работа оценивается в десятки миллионов долларов. Также его считают лучшим художником последнего столетия.

10 самых знаменитых картин Пикассо

На экраны вышел документальный фильм «Молодой Пикассо», посвященный становлению одного из величайших художников двадцатого века. Режиссер картины Фил Грабски рассматривает связь работ с тремя самыми важными городами в жизни художника: Малагой, Барселоной и Парижем. Команда #RSM предлагает подготовиться к сеансу и вспомнить десять самых знаменитых картин Пикассо – а вместе с ними возродить в памяти подробности биографии родоначальника кубизма.

Эта картина относится к «голубому» периоду творчества Пикассо. В то время художник считал, что голубой вбирает в себя все остальные цвета спектра – однако остается оттенком меланхолии и грусти. Между 1901 и 1904 годом Пикассо в основном писал портреты рабочих, изможденных матерей с детьми, нищих, слепых, калек. Депрессия стала частью его собственной жизни после самоубийства лучшего друга Карлоса Касагемаса. «Трагедия» лучше всего выражает эмоцию тоски: на картине тоска передается с помощью специфических поз, мимики и композиционного решения.

Читать еще:  Подтягивания на турнике для спины: осваиваем технику выполнения. Как девушке дома накачать мышцы спины

«Девочка на шаре» (1905)

Начало нового периода знаменует собой эмоциональный рассвет после долгой ночи. В «розовом» периоде работы Пикассо приобретают охристую и тепло-золотистую гамму, сюжеты становятся более жизнерадостными. На картинах появляется фон и глубина кадра, а композиция оттачивается до совершенства. «Девочка» на шаре построена на контрасте форм и линий: тяжелое плюс легкое, устойчивое и шаткое, статика и динамика. Такие разные фигуры гимнастки и силача на деле уравновешивают друг друга: без сидящего атлета девочка непременно упадет, а он без нее просто-напросто срастется с кубом.

«Портрет Гертруды Стайн» (1906)

После «розовых грез» Пикассо вдруг начинает интересовать монументальное и даже примитивное африканское искусство. Лучше всего это видно на портрете знаменитого литератора Гертруды Стайн – картина, которую художник переписывал целых восемьдесят раз! В итоге Пикассо понял, что долгое позирование героини «замылило» его собственный взгляд на черты Гертруды. После долгого перерыва и поездки в Андорру художник вновь принялся за дело – на сей раз работа удалась блестяще.

«Авиньонские девицы» (1907)

Картина, породившая новое художественное течение – кубизм. До этого никому не приходило в голову изображать человеческое тело как набор геометрических линий и фигур. Изломанные острые углы, гипертрофированные части тела и черты лица – все это вызвало настоящий шок. Полотно, над которым Пикассо работал больше года, было раскритикована в пух и прах даже его близкими друзьями. Здесь также видно влияние африканского искусства и новая тенденция – изображать не внешний облик тела, а обнажать внутреннюю его конструкцию.

«Портрет Ольги в кресле» (1917)

Проходит десять лет, и творческая манера Пикассо резко меняется. Не в последнюю очередь это происходит благодаря событиям личной жизни художника. В Париж приезжают легендарные «Русские сезоны» Дягилева, Пикассо работает над декорациями – и здесь же знакомится с балериной Ольгой Хохловой. Вскоре она станет его женой, а вслед за ней в картины художника вернутся приметы классического искусства. Бледная кожа, тонкие, тщательно выписанные черты лица, сохраняющие пропорции оригинала, неопределенная поза и отрешенный взгляд – ничего подобного до встречи с русской балериной Пикассо еще не создавал.

«Три музыканта» (1921)

Большая картина, которая стала венцом серии работ, написанных в предместье Фонтенбло. Пикассо вновь возвращается к синтетическому кубизму и усиливает абстрактность метода. «Три музыканта» изображает Арлекина, Пьеро и Монаха – считается, что они олицетворяют Пикассо, Гийома Аполинера и Макса Жакоба соответственно. Аполинер и Жакоб были близкими друзьями художника в 1910-х. Однако метод, использованный в этой работе далек от портретной техники: лица друзей и свое собственное Пикассо превратил в четкую последовательность плоскостей, линий и арок.

«Девушка перед зеркалом» (1932)

Эта картина тоже является портретом – на ней изображена французская любовница художника Мария Тереза Вальтер. Здесь преобладает кубизм позднего Пикассо, однако он становится гораздо менее абстрактным, чем в прошлом десятилетии. Главная тема картины – тщеславие во всех его проявлениях. Достаточно внимательно приглядеться к «Девушке перед зеркалом», чтобы увидеть множество символов, имеющих отношение к основной идее: от рук героини, больше напоминающих лебединые крылья, до явно искаженного, перевернутого изображения в самом зеркале.

Еще в 1925 году Пикассо знакомится с творчеством сюрреалистов – и «берет на заметку» многие из приемов нового метода. В картине «Сон», в частности, использована техника совмещения видов в фас и профиль – тем самым создается иллюзия объемной, подвижной картинки с постоянно меняющимся ракурсом. Художник уделяет особое внимание передаче эмоций через геометрию: округлые плавные линии подчёркивают не только женственность, но и блаженство, которое испытывает во сне молодая красивая женщина.

В апреле 1937 года испанский городок Герника был стерт с лица земли авиацией немецких войск. Место всегда считалось священным и хранило памятники старины – тем больнее было осознавать трагедию. Пикассо так потрясло нападение на мирных жителей, что он создал огромное полотно – почти в восемь метров длиной – пропитанное гневом, болью и жаждой мести. Это единственная монохромная работа Пикассо, цветовое решение лишь подчеркивает сходство подобной живописи с исторической хроникой. Когда Париж был оккупирован фашистами, художника вызвали на допрос и спросили о «Гернике»: «Это вы сделали?». На это Пикассо ответил лишь: «Нет, это сделали вы».

«Радость жизни» (1946)

После войны в полотна Пикассо вернулись краски и сама радость жизни – неудивительно, что первое же произведение, написанное после падения фашизма, он назвал именно так. Картина воссоздаёт атмосферу языческой идиллии и празднования: фавн и кентавр играют на свирелях, танцует обнаженная женщина, вокруг прыгают радостные козлята, на заднем плане вновь расцветает зеленое дерево. Здесь в полной мере воплотилось окончательно оформившееся творческое кредо автора: «Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу».

Источники:

http://cameralabs.org/5068-pablo-pikasso-genialnyj-khudozhnik-i-ego-znamenitye-kartiny
http://most-beauty.ru/drugoe/kartiny-pikasso.html
http://zen.yandex.ru/media/id/5c73dc90db06b400b30e24cc/5c9b27ec5e29d000b38724bd

0 0 голоса
Рейтинг статьи
Подписаться
Уведомить о
guest
0 комментариев
Межтекстовые Отзывы
Посмотреть все комментарии